AMARCORD

"Nunca me ha sucedido nada verdadero. Todo lo inventé yo."

Federico Fellini, Fellini por Fellini

El acto creativo, en Fellini, está basado en un subjetivismo radical. Se niega la posibilidad de una normalidad o universalidad perceptiva, y en consecuencia se niega la de cualquier normativa en su expresión. La realidad, filtrada por los sentidos que la captan en el momento mismo de su aprehensión, es inmediatamente alterada por una sensibilidad subjetiva e instantánea asumida en su modificación como memoria personal. Por ello, la única posibilidad de objetividad y de sinceridad es la subjetividad absoluta: no la reconstrucción del mundo tal y como se cree que es (como si la persona fuera un espejo que refleja las imágenes sin absorberlas) sino la reinvención total de lo real para intentar sacar fuera esa visión.

Amarcord (1973) es la película en donde está todo Fellini; la provincia vivida como aislamiento, como separación , tedio, abdicación, descomposición y muerte. Sus habitantes se reúnen para hacer tonterías. Cuando están solos es la pérdida, la soledad.

Amarcord, que comienza con la Gradisca prendiéndole fuego a la "bruja del invierno", y dando paso a la primavera, y que termina con la despedida que hace un año después al grupo de adolescentes de la película. Es sobre todo un filme sobre rituales de una comunidad y los cambios de estación. En esta pauta rítmica básica, los sueños y otras fantasías desempeñan un papel tan importante como los propios recuerdos. Amarcord significa "me acuerdo" en el dialecto regional de Rimini, ciudad natal de Fellini. Amarcord es el largometraje número trece en la carrera de este gran director, rodado casi veinte años después de su primer retrato de la adolescencia en la maravillosa I Vitelloni (1953), y la distancia que separa ambas películas se debe sobre todo a que, en ese plazo de tiempo, Fellini aprendió a confiar más en la imaginación que en la observación "realista" de las cosas. Así el vuelo de le manine (vilano) que aparece en los campos todas las primaveras no es mi menos mágica ni menos corriente que la misteriosa nevada que cae sobre la ciudad y que arrebata al cine su papel de principal atracción. Y la pompa y esplendor que inevitablemente rodean las ceremonias de la Iglesia y el Estado encuentran exactamente correspondencia en los actos públicos de la película.

Inevitablemente, los ritos de la iniciación a la pubertad y el espectáculo de la política (que alcanzan su clímax con las imágenes de la rubia y ninfomaníaca Volpina y del carismático Mussolini) tienen su origen en unas mismas libidos torturadoras. Merece la pena señalar que el sector privilegiado de la visión poética de Fellini, al igual que ocurre con Tita (Bruno Zanin) es la plaza mayor local, nuevo foro público en el que las distintas personalidades y caracteres pasan y se mezclan continuamente. La vida privada apenas parece existir en unas comunidades dominadas por el chismorreo, los rumores y los mitos, y sin embargo, es precisamente en el reino de lo privado donde se desarrollan los sueños colectivos de la pequeña ciudad provinciana retratada por el genio de Fellini, caracterizados casi siempre por anhelos y extravagancias sexuales negados a la mayoría de los ciudadanos. En una de las escenas más conseguidas de la película vemos el mundo familiar de Titta. En su familia, las cosas no son muy alentadoras. Siempre hay una tensión permanente a punto de estallar, una crispación y frustración subyacente. Asistimos a una comedia en la cocina que es una joya neorrealista, con todos los miembros en la mesa: el tío, un zángano con el pelo sujeto por una redecilla, que ya aparecía en Roma (1972); el abuelo libidinoso y chocho, el padre antifascista, desbordado por todo, la madre amargada, el hermano menor tragón y el propio Titta. Unas medias colgadas de un cordel sobre la mesa hacen que en algunos planos se vea una especie de fantasmales piernas de ahorcado. La madre es una figura especialmente cuidada por Fellini y espléndidamente interpretada por Pupella Maggio: una mujer agotada y maliciosa, que se las sabe toda sobre la panda a la que tiene que cuidar, tierna y complaciente con su hermano zángano, dura con su marido pero en el fondo preocupada por él y solícita, capaz de encerrarle en casa cuando teme que se meta en líos durante el desfile fascista. Amarcord sigue conservando la inmediatez y el humor escatológico y sexual. Entre esos toques de humor cabe destacar momentos como el del encuentro entre Titta y Luccia, la estanquera (María Antonietta Beluzzi), que le invita a chupar sus enormes pechos, después de que él haya demostrado su vigor juvenil levantándola en vilo varias veces. Sin embargo, ese aspecto de la película es sólo la otra cara de la moneda que complementa su patetismo, reflejado por ejemplo en el personaje del tío de Titta, un loco que se sube a un árbol y se niega a bajar mientras no le lleven una mujer.

Amarcord es una película inolvidable con una de las bandas sonoras más bellas de la historia del cine compuesta por el no menos inolvidable Nino Rota, que da un tono nostálgico que va variando en función de la puesta en escena.
Inquietantes son aquellas imágenes de el loco motorista que pasa a veces irrumpiendo ruidosamente en el filme, sin que se sepa quién es, de dónde viene o a dónde va, poniendo una nota de velocidad, rompiendo el ensueño que es toda la película, o esos fascistas corriendo por las calles, o esos adolescentes bailando en la niebla.

El cine de Federico Fellini sigue siendo para mi uno de los mayores monumentos de creatividad en estado puro y todo un referente de lo que el cine debe representar.